ЯНА БАЛАЧЕВЦЕВА: НАШ ФОРМАТ — ЭТО ИСКУССТВО НА СТЫКЕ ТЕАТРА И НОВЫХ ТЕХНОЛОГИЙ

В сентябре стартовал уже четвертый сезон фестиваля цифрового театра Onlife iDEA Fest. «ТЕАТР+»  поговорил с продюсером проекта Яной Балачевцевой о том, как уживаются вместе театр с новыми технологиями и как русская классика становится доступнее для молодой аудитории.

Представим, что перед вами человек, который не знаком с вашим форматом цифровых спектаклей и фестивалем. Что бы вы ему рассказали? Почему ему стоит обратить внимание на ваш проект?

Наш формат — это искусство на стыке театра и новых технологий. С одной стороны у режиссера появляются дополнительные художественные приемы, которые помогают ему донести свою идею. Например, переходы из привычного сценического пространства в виртуальное с дополнительной графикой и другими средствами самовыражения. А потом «прыжок» обратно.

С другой стороны, onlife-постановки — это почти всегда крупный план и колоссальные требования к качеству и выразительности актерской игры. Актер всегда на виду, любая эмоция на его лице, малейшие изменения мимики — все это зритель видит и чувствует.

На какую аудиторию рассчитан ваш фестиваль в первую очередь? Молодежь, которую заинтересует применение цифровых технологий? Театралы, которые ищут что-то новое? Или кто-то еще?

Сама идея цифрового театра подразумевает, как мне кажется, работу на широкую аудиторию. У нас нет привязки к географии, нет ее и к возрасту зрителей. Каждый может найти что-то свое.

Onlife-спектакли — это связующее звено, вокруг которого мы делаем различный контент. Например, человек, активно интересующийся театром и литературой, может заинтересоваться нашими обсуждениями спектаклей. После окончания постановки мы проводим эфир с приглашенными экспертами, где обсуждаем и постановку, и сам материал, который лег в ее основу. Это неотъемлемая часть нашего onlife-формата, и за все это время к нам «в гости» на обсуждения пришло множество замечательных людей: Вениамин Смехов, Павел Руднев, Галина Аксена, Филипп Гуревич, Наталья Скороход и много других экспертов, слушать которых настоящее удовольствие.

При этом молодежь, конечно, является одной из ключевых наших аудиторий, и мы во многом на нее ориентируемся. Например, для старшеклассников и студентов мы делаем проект ЛитФАК, где кратко и емко рассказываем о театре и произведениях, которые будут показаны на предстоящих постановках. В формате короткого видео, чтобы быть понятными и привычными для молодой аудитории, которая привыкла к такого рода контенту.

Есть и мой небольшой подпроект в рамках фестиваля. Во многом наша аудитория женская, и поэтому мы сделали подкаст «Великие музы великих мужчин», где мы говорим о близких людях драматургов и о том, как они повлияли на их творчество и судьбу.

Фестиваль проходит уже в 4 раз. В чем отличие этого сезона от прошлых?

Действительно, уже четвертый сезон. Тем не менее мы находимся в постоянном движении, в постоянном поиске. Формат новый, поэтому каждый спектакль для нас это эксперимент, неизвестная вселенная и настоящее исследование, к которому мы приглашаем присоединиться наших зрителей. И постановки первых сезонов довольно существенно отличаются от нынешнего.

Каждый сезон у нас объединен какой-то общей темой. В этот раз мы решили сконцентрироваться на творческом наследии русских классиков, в первую очередь, Островского, у которого в этом году юбилей — 200 лет со дня рождения.

Как и когда проходит отбор участников фестиваля? Можно ли заявиться на следующие сезоны?

Конечно, мы открыты к сотрудничеству. Фестиваль традиционно проходит 2 раза в год: осенью и весной. Так что если вам интересно поучаствовать и вы готовы к экспериментам, то пишите нам!

Этот сезон посвящен русской классике. Есть ли какая-то грань, за которую не стоит заходить в попытке осовременить классику, в том числе с помощью новых технологий? Как вы для себя эту грань определяете?

На последней дискуссии после спектакля «На бойком месте» у нас получилось очень интересное обсуждение на близкую тему. Все-таки мы не просто озвучиваем текст, каким бы прекрасным он ни был, но вступаем в диалог с автором. Сам Островский говорил, что пьесу надо читать, а как актер ее играет — это уже его прочтение.

Невозможно прочитать и тем более представить в театральной форме текст, не интерпретируя его.

Творческое прочтение текста невозможно без участия личности и контекста, в котором сейчас звучит текст.

Совершенно верно. Поэтому определенная степень «осовременивания» - это, с одной стороны, неизбежный процесс. С другой стороны, в нашем случае оно не является самоцелью, а лишь инструментом. Все зависит от замысла режиссера, вплоть до того каким языком будут говорить персонажи спектакля — языком Островского или более современным языком.

У нас были как спектакли, которые были максимально близки и по языку, и по форме повествования к оригиналам из классической литературы, так и более экспериментальные прочтения, когда вернее будет указать, что постановка была создана именно «по мотивам» произведения.

Воспользуюсь запрещенным приемом. Когда у гостей «Театра+» спрашивают их любимый спектакль из «своих», то многие теряются с ответом. Поэтому перефразирую и задам такой вопрос: какой постановкой из всех сезонов вашего фестиваля вы гордитесь больше всего и почему?

Действительно сложно сказать. С одной стороны, лично мне фестиваль помогает по-новому взглянуть на уже известных и любимых актеров: от Розы Хайруллиной до Сергея Барковского. Наш формат — это не кино и не театр, а какая-то другая среда, где актер показывает свое мастерство и талант по-новому.

С другой стороны, фестиваль открывает для меня новые имена, с которыми я не была знакома хотя бы в силу географических причин. С нами были Грузия, Израиль, Молдова, Сербия, Франция, Узбекистан, а также настоящие таланты из всех концов нашей страны.

А постановка, о которой вы спрашиваете, я уверена, еще впереди.